In situ – Kunstwerke vor Ort

Über den Künstler

• Biographisches

  Heimrad Bäcker wurde 1925 in Wien geboren und verstarb 2003 in Linz. Von 1941 bis 1943 war er Volontär der Linzer Tages-Post. Nach dem Krieg studierte er bis 1953 Philosophie, Soziologie und Völkerkunde in Graz und Wien und schloss mit einer Promotion ab. Von 1955 bis 1976 war er als Referent in der Erwachsenenbildung an der Volkshochschule Linz tätig.

  Ab 1968 gab er die Zeitschrift neue texte heraus, aus der 1976 der Verlag edition neue texte hervorging, die beide zu den wichtigsten Medien der konkreten und visuellen Poesie im Österreich der 1960er- bis 1990er-Jahre zählen.

  Bäcker war von 1977 bis 1981 Lehrbeauftragter für Literatur des 20. Jahrhunderts an der Hochschule für künstlerische und industrielle Gestaltung in Linz und von 1987 bis 1989 Präsident der Grazer Autorenversammlung.

  Mit seiner Frau Margret Bäcker stiftete er vom Erlös des Verkaufs seines literarischen Nachlasses an das Literaturarchiv der Österreichischen Nationalbibliothek einen Literaturpreis, den Heimrad-Bäcker-Preis.

  Er erhielt u. a. das Österreichische Ehrenkreuz für Wissenschaft und Kunst I. Klasse (1985), den Robert-Geisendörfer-Preis (1989), den Großen Adalbert-Stifter-Preis des Landes Oberösterreich (1990), das Große Goldene Ehrenzeichen der Stadt Linz für Verdienste um die Kultur (2000) und den Österreichischen Würdigungspreis für Literatur (2001).

• Werkdetails zu "nachschrift"

  Bäckers "nachschrift" ist keine Beschreibung, kein Bericht. "Es genügt", sagt Heimrad Bäcker, "die Sprache der Täter und der Opfer zu zitieren. Es genügt, bei der Sprache zu bleiben, die in den Dokumenten aufbewahrt ist. Zusammenfall von Dokument und Entsetzen, Statistik und Grauen."

  Bäcker hat schriftliche Spuren dieser Wirklichkeit gesammelt: Listen, Eintragungen, Aufzählungen, Verbote, Verhaftungsgründe, Auflistungen zerstörter Synagogen, verbotener Handlungen, Anweisungen, Definitionen, Wendungen, Sprachfetzen, Daten, Zahlen, Ziffern, Berichte, Kürzel, Namen, Berufe, Tätigkeiten, Fragen, Befehle, Legenden von Plänen, Nummerierungen, Fragmente, Beschreibungen medizinischer Experimente, Zeitangaben, Exekutionslisten, ideologische Phrasen, Bildunterschriften …

  Mit seiner umfassenden Kenntnis der Literatur und Kunst der Moderne, deren großer Förderer er war, hat Bäcker einen eigenen unverwechselbaren Ausdruck gefunden. Seine konkreten Texte und Fotografien, die das Projekt "nachschrift" ausmachen, schließen die Kluft zwischen formaler Autonomie und politischem Engagement.

  Dabei ist die nachschrift mit ihrem Zugriff auf Dokumente des Nationalsozialismus und de Shoah-Dokumentarliteratur und -kunst mit den Mitteln der konkreten Poesie.

Über den Künstler

• Biographisches

  Peter Weibel wurde am 5. März 1944 in Odessa, Ukraine, geboren. Er verstarb am 1. März 2023 nach kurzer schwerer Krankheit.

  Aufgewachsen in Oberösterreich studierte Peter Weibel 1963 zunächst für ein Jahr französische Sprache und Literatur in Paris und begann im Anschluss das Studium der Medizin an der Universität Wien, bis er zur Mathematik mit Schwerpunkt Logik wechselte.

  Weibel lehrte ab 1976 an zahlreichen Hochschulen, unter anderem am Nova Scotia College of Art and Design in Halifax, Kanada, und der Gesamthochschule Kassel. 1984 wurde er für fünf Jahre als Associate Professor for Video and Digital Arts an das Department of Media Study der State University of New York in Buffalo, N. Y. berufen, wo er das Digital Arts Laboratory aufbaute. Ebenfalls 1984 erhielt er die Professur für visuelle Mediengestaltung an der Universität für angewandte Kunst Wien, die er bis 2017 innehatte. 1989 wurde er mit dem Aufbau des Instituts für Neue Medien an der Hochschule für Bildende Künste – Städelschule, Frankfurt am Main beauftragt, das er bis 1994 als Direktor leitete. Ab Jänner 1999 war er Vorstand des ZKM | Zentrum für Kunst und Medien Karlsruhe und ab 2017 Direktor des Peter-Weibel Forschungsinstituts für digitale Kulturen an der Universität für angewandte Kunst Wien. Diese Funktionen hatte er bis zu seinem Tod im März 2023 inne.

  Er hatte zahlreiche Ausstellungsbeteiligungen in Museen, Institutionen und Galerien sowie Einzelausstellungen im In- und Ausland; 1993 bis 1999 war er Österreichs Kommissar der Biennale von Venedig. Ausgezeichnet wurde er u. a. mit dem Preis der Stadt Wien für  Bildende Kunst (1995), dem Großen Ehrenzeichen für Verdienste um die Republik Österreich (2002), dem Großen Ehrenzeichen des Landes Steiermark (2007), dem französischen Ehrentitel Officier dans l’Ordre des Arts et des Lettres (2008), der Verdienstmedaille des Landes Baden-Württemberg (2009), dem Österreichischen Ehrenkreuz für Wissenschaft und Kunst I. Klasse (2010), dem Oskar-Kokoschka-Preis (2014), dem Österreichischen Kunstpreis – Medienkunst (2017), dem Lovis-Corinth-Preis (2020) und dem International Trebbia Award 2021.

• Werkdetails zu "Vertreibung der Vernunft"

  Die Installation "Vertreibung der Vernunft" entstand aus Peter Weibels Auseinandersetzung mit der Vertreibung von zumeist jüdischen Akademikern und Akademikerinnen, Forschern und Forscherinnen, Kulturschaffenden und Intellektuellen aus Österreich zwischen 1933 und 1945.

  Auf den Bildschirmen tauchen kurze Biografien von österreichischen Zwangsemigranten und -emigrantinnen und Opfern des nationalsozialistischen Regimes aus dem wissenschaftlichen und künstlerischen Bereich auf.

  Jede einzelne Kurzbiografie wandert von einem Monitor zum nächsten – ein kultureller Exodus und visueller Trauermarsch. Die Installation wurde 1993 erstmals auf der Biennale in Venedig mit 5.000 erfassten Kurzbiografien realisiert.

  Die umfassende Datenbank des kulturellen Exodus aus Österreich wurde in den folgenden Jahren sukzessive erweitert und unter anderem auch im Simon-Wiesenthal-Center in Los Angeles ausgestellt.

Über die Künstlerin

• Biographisches

  Lea Sonderegger wurde 1995 in Wien geboren. 2014 bis 2016 besuchte sie das Kolleg für Fotografie und audiovisuelle Medien an der Höheren Graphischen Bundes-Lehr- und Versuchsanstalt in Wien. 2016 bis 2017 studierte sie an der Wiener Schule Friedl Kubelka für künstlerische Fotografie und von 2017 bis 2022 an der Universität für angewandte Kunst Wien in der Klasse Angewandte Fotografie und zeitbasierte Medien unter der Leitung von Maria Ziegelböck.

  Sie nahm bereits an mehreren Gruppenausstellungen teil, u. a. im Rahmen von Eyes On –Monat der Fotografie, Galerie Lumina, Wien (2016) | Fotogalerie Wien (2017) | Hotel am Brillantengrund, Wien (2020).

• Werkdetails zu "Parlament"

  Die Werkserie Parlament entstand im Rahmen des Projektes Temporäre Unordnung, einer Kooperation der Universität für angewandte Kunst Wien und der Parlamentsdirektion.

  Studierende der Abteilung für angewandte Fotografie und zeitbasierte Medien, darunter auch Lea Sonderegger, haben in den Räumlichkeiten des Parlaments 2020 jenen Zustand festgehalten, bevor der große Umbau begann, eine Zeit des Auf- und Ausräumens und der Veränderung – also einen Moment temporärer Unordnung.

  Den Aufbruch, aber auch das Aufbrechen der inneren Struktur des Parlamentsgebäudes, die mit den Vorbereitungen für den Umbau einhergehen, veranschaulichen die Fotografien von Lea Sonderegger auf besondere Weise:

  Ihre Aufnahmen der verwaisten Räume sind manchmal subtil und in der Farbstimmung delikat, fast altmeisterlich, manchmal skurril und offen für das Wundersame der augenblicklichen Situation, manchmal präzise und sachlich dokumentarisch.

  Sie versinnbildlichen damit nicht zuletzt die Veränderung, die Demokratie braucht, will sie lebendig und für die Bedürfnisse der Menschen offen bleiben.

Über die Künstlerin

• Biographisches

  Eva Schlegel wurde 1960 in Hall geboren. Sie studierte von 1979 bis 1985 an der Hochschule für angewandte Kunst Wien bei Oswald Oberhuber. 1997 bis 2006 war sie als Professorin für Kunst und Fotografie an der Akademie der bildenden Künste Wien tätig. 2011 war sie Kommissarin des Österreichischen Pavillons der 54. Internationalen Kunstausstellung, La Biennale di Venezia.

  Schlegel hatte zahlreiche Ausstellungsbeteiligungen in Museen, Institutionen und Galerien sowie Einzelausstellungen, u. a. Neue Galerie am Landesmuseum Joanneum, Graz (1989) | Aargauer Kunsthaus, Aarau (1991) | mumok – Museum moderner Kunst Stiftung Ludwig Wien/Palais Lichtenstein, Wien (1992) |  Österreichischer Pavillon (zusammen mit Coop Himmelb(l)au), 46. Internationale Kunstausstellung, La Biennale di Venezia, I (1995) | Schömer-Haus, Klosterneuburg (1998) | Galerie im Taxispalais, Innsbruck (2000) | Secession, Wien (2005) | MAK – Österreichisches Museum für angewandte Kunst, Wien (2010) | Kunsthalle Krems/Dominikanerkirche (2018) | Ferenczy Museum Center - ArtMill, Szentendre, HUN (2019).

  Sie erhielt u. a. den Preis der Stadt Wien für Bildende Kunst (1996), den Tiroler Landespreis für zeitgenössische Kunst (1999), das Goldene Verdienstzeichen des Landes Wien (2011), das Ehrenzeichen des Landes Tirol (2017) und das Österreichische Ehrenzeichen für Wissenschaft und Kunst (2019).

• Werkdetails zu "extension of public space" - Vestibül/Prachtstiege

  Über die Höhe von rund 17 Metern ist in jedem der beiden Freiräume die Prachtstiege begleitend ein Edelstahlseil installiert, an dem sich elf verschiedene Spiegelelemente in unterschiedlichem Winkel befinden. Diese Spiegel, je 140 cm im Durchmesser, werden zur kaleidoskopischen Skulptur – die Spiegel nehmen die unterschiedlichsten Blickpunkte ein, verändern sich leicht, durch den Luftzug drehen sich beide Skulpturen zueinander und voneinander weg.

  Über die Winkel ist es auch möglich, von oben nach unten zu sehen bzw. von unten Teile des oberen Geschoßes und die gegenüberliegenden Seiten wahrzunehmen.

  "Durch die reiche Dekoration und prächtige Gestaltung des Vestibüls und der Prachtstiegenhäuser scheint mir keine andere Intervention denkbar als eine raum- und blickerweiternde, leichte, schwebende Installation, die mit beiden Seiten kommuniziert." (Eva Schlegel)

• Werkdetails zu "extension of public space" - Rooftop-Restaurant Kelsen

  Im Zentrum des Glaskuppelraumes wird in Fortführung der Skulptur im Vestibül eine Spiegelskulptur installiert, die sich langsam um die eigene Achse dreht. Die Skulptur besteht aus kreisförmigen Scheiben, die ineinandergesteckt sind, irregulär und durch die Drehbewegung immer wieder andere Ausformungen preisgebend.

  Die Hängeskulptur ist aus hochglanzpoliertem Edelstahl und Stahlblech roh gefertigt, wobei jeder Spiegelkreis einen Durchmesser von 140 cm hat, die Gesamtmaße der Skulptur betragen 350 x 250 x 300 cm, das Gesamtgewicht: 900 kg. Mittels eines 365-Tage-Diagramms wurde berechnet, ob es zu unangenehmen Sonnenreflexionen kommt.

  Unter der Skulptur befindet sich ein weiteres Spiegelelement, das die Skulptur nach unten verdoppelt und spiegelt, andererseits eine räumliche Schutzbeschränkung gibt. An der hinteren Wand befindet sich ebenfalls ein Spiegel, der den Raum nach rückwärts öffnet.

Über den Künstler

• Biographisches

  Heimo Zobernig wurde 1958 in Mauthen geboren. 1977 bis 1980 studierte er an der Akademie der bildenden Künste Wien und wechselte dann an die Hochschule für angewandte Kunst Wien, wo er sein Studium 1983 abschloss. 1994 hatte Zobernig eine einjährige Gastprofessur an der Hochschule für bildende Künste Hamburg inne; 1999 bis 2000 war er Professor für Bildhauerei an der Hochschule für Bildende Künste – Städelschule, Frankfurt am Main, und darauf bis 2021 an der Akademie der bildenden Künste Wien.

  Er hatte zahlreiche Ausstellungsbeteiligungen in Museen, Institutionen und Galerien sowie Einzelausstellungen, u. a. Neue Galerie Graz (1993) | Secession, Wien (1995) | mumok – Museum moderner Kunst Stiftung Ludwig Wien; Kunsthalle Basel, CH; K21 – Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf, D (2003) | MAK – Österreichisches Museum für angewandte Kunst , Wien (2008) | Kunsthalle Zürich, CH (2011) | Palacio de Velázquez, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, E (2012) | Kunsthaus Graz (2013) | Kunsthaus Bregenz; Österreichischer Pavillon, 56. Internationale Kunstausstellung, La Biennale di Venezia,I (2015) | Museum Ludwig, Köln, D (2016) | Albertinum, Dresden, D (2019) | MARe – Museum of Recent Art, Bukarest, RO; mumok – Museum  moderner Kunst Stiftung Ludwig Wien (2021) | Generali-Foundation-Studienzentrum, Salzburg (2022).

  Er erhielt u. a. den Msgr. Otto Mauer Preis (1993), das Goldene Verdienstzeichen des Landes Wien (2009), den Österreichischen Friedrich-Kiesler-Preis für Architektur und Kunst (2010) und den Roswitha-Haftmann-Preis (2016).

• Werkdetails zu "Interferenzen"

  Vier Bilder mit Interferenz- bzw. Effektfarben – Blau, Indigo, Türkis und Violett – wurden in einem kleinen Abstand zur Wand gehängt.

  Die Farbwirkung der Interferenzbilder entsteht durch Überlagerung von Lichtwellen an dünnen, lichtdurchlässigen Schichten oder dünnen Kristallplättchen. Der Farbeindruck ist abhängig von Lichteinfall und Blickwinkel und wechselt je nachdem in die jeweilige Komplementärfarbe. Der Effekt ist auf dunklem Hintergrund am stärksten.

  In diesen Arbeiten wird die Idealisierung der Monochromie in der Malerei infrage gestellt und kommentiert. Sie schließt an eine Werkreihe an, in der die Schwierigkeiten, große homogene Farbflächen zu malen, aufgezeigt werden.

  Die widerständigen, schwer handzuhabenden Effektfarben sind für diese Absicht 
  besonders gut geeignet. Der mit Absicht einfache händische Farbauftrag mit Malerrolle erzeugt eine lasierende Textur, die zusammen mit dem spezifischen Lichteinfall und der Bewegung der Betrachter:innen im Raum immer wieder wechselnde Farbwirkungen hervorrufen.

  Das Format 270 cm x 480 cm korrespondiert mit einer üblichen Wohnraumhöhe und mit der Proportion von Filmscreens.

• Werkdetails zu "Demokratie Parlament"

  An der Wand der Stirnseite im Raum Lokal 1 sind die Worte PARLAMENT und DEMOKRATIE in einem Schriftzug ineinander verschränkt. Die Buchstaben sind so miteinander verbunden, dass das Schriftbild in seiner Gestaltung einen ornamentalen Charakter zeigt. In der Arbeit werden Begriffe der österreichischen Verfassung herausgestellt, die die Tätigkeiten und deren Inhalt in diesem Raum und Gebäude repräsentieren.

  Die Ausführung des Kunstwerkes ist in Stahl mit ähnlicher Beschaffenheit und Oberfläche an den Bundesadler im Nationalratssaal angelehnt. Die Buchstabenfiguren sind aus Vierkantstahl gebogen und verschweißt und mit Stahlstiften schwebend vor der Wandverkleidung verankert.

Über den Künstler

• Biographisches

  Constantin Luser wurde 1976 in Graz geboren. Er studierte von 1995 bis 1999 Industriedesign an der FH Joanneum in Graz. 1999 bis 2001 besuchte er bei Renée Green die Klasse Konzeptuelle Kunst an der Akademie der bildenden Künste Wien und 1999 bis 2004 die Klasse Visuelle Medien bei Brigitte Kowanz an der Universität für angewandte Kunst Wien.

  Seither hatte er zahlreiche internationale Ausstellungsbeteiligungen in Galerien und Museen sowie institutionelle Einzelausstellungen wie etwa Essl-Museum, Klosterneuburg (2001) | Arbeiterkammer Wien (2004) | Austrian Cultural Forum, London, UK (2006) | Augarten Contemporary/Belvedere, Wien (2008) | Kunstmuseum Jena, D (2010) | MSU – Museum für zeitgenössische Kunst, Zagreb, HR (2011) | Haus der Musik, Wien (2013) | Kunsthalle Krems (2014) | Kunsthaus Graz (2016) | Bildraum Bodensee, Bregenz (2020).

  Ausgezeichnet wurde Constantin Luser u. a. von T-Mobile mit einem einjährigen Atelierstipendium in Wien (2006) und mit dem BC21 Art Award – Boston Consulting & Belvedere Contemporary Art Award (2007).

• Werkdetails zu "Demokratietrompete, Fries mit Horn und Waage"

  Das Horn: Der Trichter als perfektionierte Form des archaischen Prinzips der Klangerzeugung dient als Symbol der Meinungsäußerung, des Wohlklanges und des handwerklichen Könnens. Das demokratische Prinzip äußert sich in der Gestaltung der Zuleitung, die sich teilt und auf eine Mehrzahl von Zugängen (Mundstücken) öffnet. So könnte jeder Fraktion des Parlaments ein Mundstück zugeordnet werden.

  Das Horn ist eine symbolische Abbildung der Funktionsweise des Nationalrats und betont die Gesamtheit und gemeinsame Absicht. Die beidseitigen Zuleitungen zum Horn verlaufen entlang der Trennlinie zwischen Sichtbeton und weißer Wandfläche und bilden die untere Begrenzungslinie des Frieses.

  Der Fries: Der Fries ist eine Wanddrahtzeichnung aus Messing, die sich von der Zuleitung des Horns aus nach oben hin entwickelt. Zwischen Abstraktionen und Figuration pendelnd entfaltet sich eine detaillierte Erzählung, die vielfältige Assoziationen und Sichtweisen generiert. Als Stilelemente kommen das grafische Prinzip der Symmetrie und die Andeutung eines zentralen Fluchtpunktes zum Einsatz, die Fokussiertheit im Chaos zum Ausdruck bringen und durch die Symmetrie Ausgewogenheit und Polarität betonen.

  Die Waage: Die Beweglichkeit und Leichtigkeit des Materials kommen bei den zwei Gleichgewichten zum Ausdruck. Zwei ergänzende Raumzeichnungen aus Messing sind im Gleichgewicht wie ein Mobile im Raum schwebend aufgehängt. Sie rotieren durch minimale Luftbewegungen um die eigene Achse und balancieren sich aus. Sie vereinen Gegensätzlichkeit und Ausgewogenheit, Bewegung und fixe Form. Aus verschieden Perspektiven kann sich das Mobile mit dem Fries überlagern, in einen Dialog gehen und unendlich viele neue Konstruktionen und Bildebenen erzeugen.

Über den Künstler

• Biographisches

  Peter Sandbichler wurde 1964 in Kufstein geboren. 1983 begann er ein Kunststudium an der Art Students League in New York, das er 1984 an der Hochschule für angewandte Kunst Wien bei Prof. Wander Bertoni fortsetzte und 1991 in der Klasse von Bruno Gironcoli abschloss. Seit 1994 hatte er zahlreiche Studien- und Arbeitsaufenthalte im Ausland, u. a. Berlin, New York, Tokio, Sri Lanka; 2011/2012 Lehraufträge an den Technischen Universitäten Wien und Innsbruck. Von 2007 bis 2013 war er Vorstandsmitglied der Künstlervereinigung Wiener Secession.

  Seiter hatte er zahlreiche internationale Ausstellungsbeteiligungen in Galerien und Museen sowie institutionelle Einzelausstellungen wie etwa Ars Electronica, Linz (1994) | mumok Museum moderner Kunst Stiftung Ludwig Wien (2010) | Galerie im Taxispalais, Innsbruck (2011) | Kunstforum Montafon (zusammen mit Lisa Ruyter), Schruns (2013) | Gironcoli-Museum, St. Johann bei Herberstein (2015) | Kunstverein Eisenstadt (zusammen mit Alfredo Barsuglia, 2020) | Kunstraum Dornbirn (2021).

  Er wurde u. a. mit dem Tiroler Landespreis für zeitgenössische Kunst (2022) ausgezeichnet.

• Werkdetails zu "Resonanzkörper" - Fries

  Das rund 40 Meter lange Fries basiert auf einem orthogonalen Grundraster, das die historische Ornamentik von Theophil Hansen zitiert. Dabei wird das zweidimensionale Muster durch parametrische Verformungen in die dritte Dimension gewölbt und reflektiert dadurch die Vielgestaltigkeit der Möglichkeiten, die sich aus limitierten Grundparametern ergeben. Das dynamische Band steht für die Vielfalt der Gesellschaft und die Lebendigkeit des demokratischen Prozesses, in dem alle Beteiligten ihre Spuren hinterlassen.

  Die Parameter für die Verformungen leiten sich aus der Timeline des Parlaments seit 1848 ab. Nachvollziehbar sind Meilensteine wie z. B. die Einführung des Frauenwahlrechts, aber auch Zäsuren wie die Ausschaltung des Parlaments durch die Regierung Dollfuß und demokratiepolitische Premieren wie die erste Volksabstimmung 1978.

  Das Fries nimmt Bezug auf das restaurierte Außenfries an der Fassade, welches eine Konstellation von Allegorien in einem Rapport wiederholt. Während diese Konfiguration idealisierte Motive darstellen, spiegelt das Fries im Innenraum ein abstraktes Pattern, das keinerlei Wiederholung in der Abfolge aufweist, sondern sich kontinuierlich wandelt und in jeder Sequenz haptisch wie visuell neue Eindrücke vermittelt.

• Werkdetails zu "Resonanzkörper" - Podium

  Die Modulation des Grundrasters verlässt die Wand und positioniert sich als eigenständige Skulpturengruppe im Raum auf der Publikumsgalerie. Die in Holz ausgeführten Objekte sind als benutzbare Podien konzipiert, die in einer Art asymmetrischer Spiegelung des Plenums auch den Besucher:innen Bühnen bieten, sich individuell oder in Gruppen zu formieren.

  Das orthogonale Raster wird in die dritte Dimension gestülpt, indem die zwei gegenüberliegenden Flächen parallel angehoben werden. Die an den Schnittflächen entstehenden Winkel sind rund und dynamisch so ausgeführt, dass sich die Module durch eine 90-Grad-Drehung ineinander stapeln lassen. Aufgrund ihrer Geometrie können die Module auch auf ihren Seitenflächen aufgerichtet werden und als Barrikaden in unterschiedlichsten Konstellationen arrangiert werden. In dieser Funktion erinnern sie an den Ursprung der Demokratie in Österreich, als in der Märzrevolution 1848 die Menschen erstmals auf die Barrikaden gingen.

  Das Formenspiel mit dem geometrischen Körper ist eine Versuchsanordnung, die es dem Publikum erlaubt, sich den Raum auf unterschiedliche Weise anzueignen und neue Auftrittsformen auszuprobieren. Mit der Aktivierung dieser Raumressource entsteht eine Art nichthierarchische Probebühne für politische Partizipation.

Über die Künstlerin

• Biographisches

  Esther Stocker wurde 1974 in Schlanders/Silandro, Italien, geboren und hat ihren  Lebensmittelpunkt seit Mitte der 1990er-Jahre in Wien. Sie studierte 1994 bis 1997 an der Akademie der bildenden Künste Wien bei Eva Schlegel; 1996 an der Accademia di Belle Arti di Brera in Mailand, Italien. 1999 wechselte sie an das Art Center College of Design, Pasadena, Kalifornien, wo sie im Jahr darauf ihr Studium abschloss.

  Stocker hatte zahlreiche Ausstellungsbeteiligungen in Museen, Institutionen und Galerien sowie Einzelausstellungen, u. a. mumok – Museum moderner Kunst Stiftung Ludwig Wien (2008) | Künstlerhaus Hannover, D (2011) | Museum Ritter, Waldenbuch, D (2012) | Domumenia/Kunsthalle Bratislava, SK (2016) | Museum gegenstandsfreier Kunst, Otterndorf, D (2018) | drj art projects, Berlin, D (2019) | Galleria Alberta Pane, Paris (2020) | Galleria 10 A.M. Art, Mailand (2022). Sie erhielt u. a. den Msgr. Otto Mauer Preis (2004), den Südtiroler Preis für Kunst am Bau (2007), den Preis der Stadt Wien für Bildende Kunst (2009) und den Prix Aurelie Nemours (2020).

• Werkdetails zu "Galaxie"

  Eine Wand des Stiegenhauses wurde mit einer durchgehenden grafischen Wandarbeit gestaltet und dadurch künstlerisch transformiert. Der Entwurf ist eine geometrische Struktur, die auf dem Quadrat aufgebaut ist und wie ein unendliches Universum wahrgenommen werden kann. Die Zeichensprache des Kunstwerks lehnt sich an galaktische Ordnungen an, es soll ästhetisch zeigen, in welchem Spannungsfeld Einzelteile und Gruppierungen zu einem größeren Ganzen stehen.

  Für das Parlament als Ort der Demokratie soll dieses Kunstwerk ein Zeichen für die Vielfalt und Komplexität sein. Der Leitgedanke dieser Arbeit bezieht sich auf Offenheit, Freiheit und die ergänzende Zusammengehörigkeit von Einzelelementen und Gruppen. Es soll ein Verweis auf die Fähigkeit der menschlichen Wahrnehmung sein, Strukturen und Ordnungsprinzipien auszumachen, zu verändern.

  Die grafische Struktur funktioniert wie ein großes Bild, soll jedoch in jedem Stockwerk und von jedem Blickwinkel ihre eigene Wirkung entfalten. Die Hauptidee der Gestaltung ist es, aus einer zweidimensionalen Struktur eine möglichst vielfältige räumliche Sicht entstehen zu lassen. Die geometrische Gestaltung soll eine visuelle Vielfalt anbieten und den Ort als eigenständiges Zeichen etablieren.

  "Ich bin an einem offenen Prozess der Wahrnehmung interessiert, an der Tatsache, dass unsere Wahrnehmung ein nie abgeschlossener Prozess ist." (Esther Stocker)

Über den Künstler

• Biographisches

  Peter Kogler wurde 1959 in Innsbruck geboren. Er studierte von 1974 bis 1978 an der Höheren Technischen Bundeslehr- und Versuchsanstalt Innsbruck. Im Anschluss besuchte er für ein Jahr die Akademie der bildenden Künste Wien, die ihn 1997 zum Professor der Meisterklasse für Computer- und Videokunst berief. Seit 2008 hat er eine Professur für Grafik an der Akademie der Bildenden Künste München inne.

  Kogler war mehrfach auf der Biennale in Venedig (1986, 1993, 1995, 2001, 2003) sowie auf der IX. (1992) und X. (1997) documenta in Kassel vertreten und hatte zahlreiche Einzelausstellungen, u. a. Kunsthaus Bregenz (2000) | Kunstverein Hannover, D (2004) | mumok – Museum moderner Kunst Stiftung Ludwig Wien (2008) | Schirn Kunsthalle Frankfurt, D (2010) | MSU – Museum für zeitgenössische Kunst, Zagreb, HR (2014) | Sigmund Freud Museum, Wien (2015) und Kunsthaus Graz (2019).

  Er erhielt u. a. den Msgr. Otto Mauer Preis (1988), den Preis der Stadt Wien für Bildende Kunst (1996) und den Tiroler Landespreis für Kunst (2013).

• Werkdetails zu "Ohne Titel" (Vorhang Parlament)

  Eine netzartige, digital erstellte Struktur ist als Jacquardgewebe – ausgeführt von der Traditionsfirma Backhausen – auf der geschoßübergreifenden Wand angebracht.

  Durch die verschiedenen Ebenen des Stiegenhauses ist dieses Netz immer nur in Teilen erkennbar, erschließt sich aber in seiner Gesamtheit, sobald man über die Brüstung sieht.

  Der Vorhang steht sowohl in seinem Material als auch in seiner abstrakten Formensprache und Symbolik mit der Architektur des Parlaments in Dialog: sowohl mit der historischen Bausubstanz als auch mit ihrer zeitgenössisch-modernen Adaption. 

  Konträr zur streng orthogonalen Struktur des Rasters, welche vielfach bei Hansen eingesetzt wird, tritt das Pattern hier visuell aus der Zweidimensionalität heraus und korrespondiert mit der Dynamik, die den Transitraum Stiegenhaus kennzeichnet. Im Zusammenspiel mit der Architektur, nicht zuletzt in ihrer gesellschaftlichen und demokratiepolitischen Bedeutung, lässt die netzartige
  Struktur in ihrer Abstraktion eine Vielzahl an Deutungen und Interpretationen zu: Ein organisches Flechtwerk, aber auch Adern und Nervensysteme oder Kommunikationskanäle mögen einem in den Sinn kommen.

Über die Künstlerin

• Biographisches

  Martina Steckholzer wurde 1974 in Sterzing/Vipiteno, Italien, geboren und lebt seit den 1990er-Jahren in Österreich. Sie studierte DAMS – Discipline delle arti, della musica e dello spettacolo an der Università di Bologna, I (1994), Architektur an der TU Innsbruck (1995) und besuchte die Freie Kunstschule Stuttgart, D (1996). Von 1997 bis 1999 studierte sie Malerei an der Universität Mozarteum Salzburg in der Klasse von Dieter Kleinpeter und wechselte im Jahr 2000 an die Akademie der bildenden Künste Wien, wo sie 2003 ihr Studium bei Gunter Damisch und Heimo Zobernig abschloss.

  Steckholzer hatte zahlreiche Ausstellungsbeteiligungen in Museen, Institutionen und Galerien sowie Einzelausstellungen, u. a. Salzburger Kunstverein (2004) | Galerie Museum, Bozen, I (2005) | Wiener Staatsoper (2006) | Stadtgalerie Schwaz (2009) | Landestheater Salzburg (2017) | Kunstforum Montafon (gemeinsam mit Andreas Fogarasi), Schruns (2018) | Stadttheater Bozen, I (2018) | Galerie Le Carceri (gemeinsam mit Ekaterina Shapiro-Obermair), Kaltern, I (2019) | Stadtgalerie Brixen, I; GDG – Galleria Doris Ghetta, St. Ulrich, I (2021) | Quartz Studio, Turin, I (2021) | GDG – Galleria Doris Ghetta, Mailand, I (2022).

• Werkdetails zu "Figuren; gespannt; Die Demokratie liegt in unseren Händen..."

  Inspiriert von der Farbigkeit und den geometrischen Mustern in den Deckenmalereien von Theophil Hansen spannt "Figuren" ein Lineament in den Luftraum des Stiegenhauses, das über die Begrenzung der Wände hinaus fortzudenken ist. Die Formensprache ist damit bewusst offen und prozessorientiert gewählt.

  Als minimalinvasiver Eingriff in die neue Architektur des Stiegenhauses reagiert der Entwurf sensibel und in seiner zurückgenommenen Materialität dezent auf die wie schwebend wirkenden Treppenläufe. Der großzügige Raumeindruck bleibt erhalten, der Dialog von historischer und moderner Bausubstanz wird durch die verbindenden Elemente noch verstärkt.

  Die Leichtigkeit der skulpturalen Setzungen bei gleichzeitiger Spannung des Materials verweist darüber hinaus auf die Idee der String Figures. Ursprünglich die Bezeichnung für ein Fadenspiel, meint es hier in erster Linie eine Denkfigur im Sinne von Donna Haraway, die String Figures als theoretische Trope verwendet: "String Figures ist Geschichtenerzählen und Faktenerzählen; es ist das Muster möglicher Welten und Zeiten, materiell-semiotischer Welten, vergangener, gegenwärtiger und kommender Welten." 15

  Die optisch ineinandergreifenden Seile von Figuren visualisieren damit ein offenes, nicht abgeschlossenes Modell, ein Verbinden und Entbinden, ein Interagieren im Kollektiv ohne zeitliche und räumliche Determinanten: Keine Blickachse kann je das ganze Bild erschließen, die Wahrnehmung, gekoppelt an die eigene Bewegung im Raum, bleibt ein Prozess.

Über die Künstlerin

• Biographisches

  Brigitte Kowanz wurde 1957 in Wien geboren, wo sie 2022 auch verstarb. Sie studierte von 1975 bis 1980 an der Hochschule für angewandte Kunst Wien, an der sie 1997 bis 2021 als Professorin für Transmediale Kunst tätig war.

  Kowanz hatte zahlreiche Ausstellungsbeteiligungen in Museen, Institutionen und Galerien sowie Einzelausstellungen, u. a. Secession, Wien (1993) | Kunsthaus Mürzzuschlag (1999) | Burgenländische Landesgalerie,  Eisenstadt (2003) | Zentrum für Internationale Lichtkunst, Unna, D (2005) | Kunsthalle Krems (2007) | mumok – Museum moderner Kunst Stiftung Ludwig Wien (2010) |  Österreichischer Pavillon (zusammen mit Erwin Wurm). 57 Internationale Kunstausstellung, La Biennale di Venezia, I (2017) | Kunstmuseum Celle, D (2018) | Museum Haus Konstruktiv, Zürich, CH (2020) | Schlossmuseum Linz (2022).

  Sie wurde u. a. ausgezeichnet mit dem Msgr. Otto Mauer Preis (1989), dem Preis der Stadt Wien für Bildende Kunst (1991), dem Österreichischen Staatspreis (1996) sowie dem Großen Österreichischen Staatspreis für Bildende Kunst (2009), dem Deutschen Lichtkunstpreis (2018) und dem Cairo Biennale Prize (2019).

• Werkdetails zu "Die Ausrufung der Republik 12.11.1918"

  Am 12. November 1918 wurde in Wien vor dem Parlament die Republik Deutschösterreich ausgerufen: Nach dem Ende des Ersten Weltkriegs wurde von der Provisorischen Nationalversammlung beschlossen, dass Österreich als demokratische Republik gegründet wird.

  Dieses Ereignis, das sich in die österreichische Geschichte eingeschrieben hat, wird in einen Lichtcode übersetzt und als leuchtende Spur an die Wand des neuen Ausschussraumes angebracht. Als Lichtzeichen soll es jedoch nicht nur an die Historie erinnern, sondern vor allem auch auf das gegenwärtige Geschehen Licht werfen.

  Licht macht die Dinge sichtbar und beeinflusst unsere Wahrnehmung von Welt, Licht definiert Orte und schafft gelichzeitig energetische Räume.

  "Das Licht ist einerseits Grundlage der Sichtbarkeit und anderseits Symbol der Erkenntnis." (Brigitte Kowanz)

Über den Künstler

• Biographisches

  Erwin Bohatsch wurde 1951 in Mürzzuschlag geboren. Er studierte von 1971 bis 1976 an der Akademie der bildenden Künste Wien, wo er von 2005 bis 2021 selbst eine Professur für Abstrakte Malerei innehatte.

  Bohatsch hatte zahlreiche Ausstellungsbeteiligungen in Museen, Institutionen und Galerien sowie Einzelausstellungen, u. a. Neue Galerie Graz (1983) | Galerie Skulima, Berlin, D (1985) | Sharpe Gallery, New York, USA (1985 und 1988) | Galerie Volker Diehl, Berlin, D; Museum der Moderne Salzburg — Rupertinum (1991) | Secession (gemeinsam mit Johanes Zechner), Wien (1992) | Kunsthaus Bregenz (1998) | mumok — Museum moderner Kunst Stiftung Ludwig Wien (1999) | MKM Museum Küppersmühle für Moderne Kunst (gemeinsam mit Manfred Wakolbinger), Duisburg, D (2006) | Neue Galerie Graz (2006) | Albertina, Wien (2016) | Galerie Volker Diehl, Berlin, D (2017) | Charim Galerie, Wien (2018).

  Er erhielt u. a. den Msgr. Otto Mauer Preis (1983), eine Residency im Rahmen des Berliner Künstlerprogramms des DAAD (1984/85) und den Preis der Stadt Wien für Bildende Kunst (1996).

• Werkdetails zu "Reflexionen"

  Das Reflektorium sollte möglichst neutral, gedämpft und kontemplativ werden, im Sinne von Ausgleich, Ruhe und Einkehr – im Gegensatz zur Geschäftigkeit des parlamentarischen Alltags. Er steht als Rückzugsraum allen Mitarbeiter:innen sowie Gästen des Parlaments zur Besinnung, zum Entspannen und zum Reflektieren zur Verfügung.

  In den Bildwerken von Erwin Bohatsch wird auf eine gegenständliche Symbolik gänzlich verzichtet. Die Abstraktion der Werke lässt Raum für eigene Gedanken und Assoziationen einer persönlichen, intimen Innenwelt. Der Künstler betitelt die Werkgruppe "Reflexionen":

  "Aus einer über mehrere Jahre entstandenen Werkgruppe von stark reduzierten Malereien habe ich für das Reflektorium im Parlament vier passende Gemälde ausgewählt. 

  Sie zeichnen sich durch die Verwendung von abgestuften matten und glänzenden Malschichten aus, die den realen Raum reflektieren. Wechselt der Lichteinfall, die Tageszeit oder auch der Standpunkt des Betrachters, der Betrachterin, so verändert sich die Stärke der Präsenz der Bilder.

  Die zurückhaltende, helle Farbgebung und die fließende Textur lassen Leichtigkeit und Ruhe entstehen und sind somit eine Aufforderung, die eigene Wahrnehmung zu schärfen." (Erwin Bohatsch)

Über die Künstler

• Biographisches

  Christian Kühn ist Professor für Gebäudelehre an der Fakultät für Architektur und Raumplanung der TU Wien. Seine Forschungsschwerpunkte sind Architekturgeschichte und -theorie sowie soziale Infrastruktur mit dem Fokus auf Bildungsbauten. Er ist Architekturkritiker für verschiedene Zeitungen und Zeitschriften, unter anderem für "Die Presse". Im Jahr 2014 war er Kommissar und Kurator (gemeinsam mit Harald Trapp) für den österreichischen Beitrag zur Biennale Venedig 2014, "PLENUM – Places of Power", eine Reflexion über die Architektur der repräsentativen Demokratie. Seit 2000 ist er Vorsitzender der Österreichischen Architekturstiftung und seit 2015 Vorsitzender des Beirats für Baukultur im österreichischen Bundeskanzleramt. Er ist Koautor der Österreichischen Baukulturreporte der Jahre 2006, 2011, 2017 und 2021.

  Harald Trapp ist Diplom-Soziologe und Architekt. Zusammen mit Christian Kühn kuratierte und gestaltete er den Österreichischen Pavillon auf der Architekturbiennale Venedig 2014, "PLENUM - Places of Power". Von 2015 bis 2018 leitete er das Master of Architecture-Programm an der University of East London und ist zurzeit Gastprofessor an der Universität Innsbruck und der UACS Skopje. Zu seinen Veröffentlichungen zählen Artikel in ARCH+ und zuletzt das Buch "Bastlertraum". Im Jahr 2019 gründete er das Architekturkollektiv AKT, das zusammen mit Hermann Czech unter dem Titel "Participazione" den Österreichischen Pavillon auf der Architekturbiennale Venedig 2023 kuratierte und gestaltete.

• Werkdetails zu „Places of Power”

  Im Zentrum des Projekts, das erstmals 2014 bei der Architekturbiennale in Venedig gezeigt wurde, stehen Architekturmodelle von 195 nationalen Parlamentsgebäuden im Maßstab 1:500. Um 90 Grad gedreht und auf die Wände montiert, kippen sie vom Monumentalen ins Ornamentale und werfen Fragen auf: Warum folgen selbst Parlamentsgebäude, die in afrikanischen Nationen mit chinesischer Unterstützung errichtet werden, so oft historischen europäischen Bauformen? Warum gibt es Ähnlichkeiten zwischen dem rumänischen und dem nordkoreanischen Parlamentsgebäude? Welcher Anzahl von Einwohnern entspricht ein Sitz im Parlament der einzelnen Länder? Wie viele Frauen sind dort Mitglieder? Die Hängung verleiht den Modellen eine tragische Monumentalität, die angesichts des global schwindenden Vertrauens in die demokratische Willensbildung in repräsentativen Demokratien für sich selbst spricht. De facto erfüllen nur die wenigsten Staaten, die hier repräsentiert sind, demokratische Standards. Eine Website ergänzt die dreidimensionalen Modelle um Informationen über das jeweilige Parlamentsgebäude und seine Geschichte, aber auch über die Wirtschaft und die politische Kultur des jeweiligen Landes.